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梅西球鞋后面印的什么标志

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梅西的标志性动作是什么？

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西班牙甲级联赛巴塞罗那队 队标是

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梅西的资料和图片

梅西（1987年6月24日－），阿根廷足球员，现效力于西班牙足球甲级联赛的巴塞罗那俱乐部，司职右边锋，亦为阿根廷现役国脚。梅西脚法出众，突破能力当今无人能出其右，被称为“新马拉多纳”，是当今世界足坛最杰出的足球运动员之一。梅西 梅西2008-...

遗珠成“顶流”，《四季》走过300年

　　高建

　　提到古典音乐历史上长达一个半世纪的巴洛克时期（1600年至1750年），人们首先想到的作曲家应该是巴赫与亨德尔。然而有趣的是，今天音乐会舞台上演出频率最高、知名度最广的巴洛克乐队作品却并非出自两位“集大成者”的笔下，反而是与他们同时代的意大利作曲家维瓦尔第写下的小提琴协奏曲《四季》。

　　瑞士格施塔德梅纽因音乐节乐团

　　没有史料准确记载《四季》的创作时间，只知道它所包含的四部小提琴协奏曲和另外八首维瓦尔第创作的同体裁作品一道以《和声与创意的实验》为标题出版于1725年，这也意味着这部古典乐坛的顶流名作问世距今已整300年。

　　从电视广告配乐到咖啡馆背景声，每当与《四季》中“春”的旋律不期而遇，几乎所有人都会精神为之一振、下意识做出深呼吸的舒展动作并随节拍轻轻摆头。而对于拥有这样一首超级金曲的作曲家维瓦尔第而言，人们似乎很难再说出他的另外一首作品，难免会令人生发出类似张若虚《春江花月夜》“孤篇冠全唐”的感慨。事实是，《四季》和“孤篇”的概念南辕北辙，维瓦尔第不止在1725年一次性出版了12首小提琴协奏曲，在整个职业生涯中所创作的器乐协奏曲数量更是超过了惊人的500首！抛开不同时期创作观念与习惯的差异，作曲家的泉涌乐思和勤勉品质足以令人钦佩。正是凭借着海量创作，维瓦尔第巩固了自己在音乐史上的重要地位，他确立并强化了器乐协奏曲的经典结构，以“快、慢、快”三个乐章为框架，通过交替使用独奏（solo）和合奏（tutti）的对比形成一呼百应的奇妙感受，让音乐始终处在变化与流动之中，创造性地突破了18世纪初乐器音量与音色带给作曲家的局限束缚，《四季》所遵循和体现的正是这样的创作思路。

　　真正让《四季》从维瓦尔第作品，乃至所有巴洛克器乐作品中脱颖而出的，是其卓越的艺术想象力。作曲家在乐谱上以十四行诗的形式明确写下了音乐描绘的意象，等于为没有歌词的纯音乐作品留下了“文字说明书”。以此为线索，音乐的叙事结构便清晰明了，诸多巧思也分外迷人。春季的啾啾鸟鸣、午后犬吠，夏日里的闷热沉寂、惊雷暴雨，秋天狩猎队伍的喧天号角，寒冬时节人们跺脚御寒、牙齿打颤的画面，竟然全都被写进了音乐之中，如此生动逼真的描画，如此酣畅浑然的表达，或许直到19世纪末斯美塔那写下《沃尔塔瓦河》时才有作品堪与之比肩。更容易被人忽略的是，四部协奏曲中没有长笛和双簧管的灵动吹奏，没有小号与圆号的嘹亮助威，没有打击乐的磅礴重击，仅凭十几把弦乐和一架羽管键琴就营造出了无比丰富的声音世界，无愧于“和声与创意的实验”之名。

　　维瓦尔第

　　就是这样一部精彩之作，在维瓦尔第去世后的两百年间始终鲜有人问津，除了历史际遇的偶然因素外，“音乐说明文字”之妙很难通过传统的音乐会方式得到广泛传播。直到20世纪中期，立体声录音和唱片工业进入黄金时代，意大利音乐家合奏团、穆特与维也纳爱乐乐团、肯尼迪与英国室内乐团先后录制的立体声版《四季》专辑不断刷新销售纪录，才真正刮起了“四季旋风”，让所有小提琴演奏家都意识到了这部遗珠之作经久不衰的魅力。

　　英国小提琴演奏家丹尼尔·霍普自然也在此列。他刚履新瑞士格施塔德梅纽因音乐节与音乐学院艺术总监，便将于11月16日，搭档格施塔德梅纽因音乐节乐团亮相众星云集的国家大剧院2025“醇·萃古典”板块。此场音乐会不但将再度奏响经典的维瓦尔第《四季》，还将呈现英国当代作曲家马克斯·里赫特重编的当代《四季》。成长于传统音乐学院教育氛围下的马克斯·里赫特大胆选择以电子音乐的方式解构经典，将小提琴等原声乐器与电声合成器融合，熟悉的旋律将以“碎片”的方式回荡于音乐厅中。

　　作为这部作品的首演者，丹尼尔·霍普在2013年录制的新作唱片曾经横扫全球各大音乐榜单与奖项，北京观众此番将现场聆赏两部《四季》跨越近三百年的对话。如果说四季是人们对于时间最清晰的感知与最古老的注解，而作为时间艺术的音乐无疑是最适合展现四季轮回的形式和载体，以音符去重新组合时间，用新的审美去定义传统作品，注定是一场奇妙之旅。

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以琴音藏技巧，让音乐自己说话

　　高建

　　9月4日，叶菲姆·布朗夫曼将重返国家大剧院的舞台，乐迷也将在这场2025国际钢琴系列板块的演出中领略这位当代古典音乐名家的艺术造诣。

　　说是重返，是因为一年前，我们有幸聆听过他堪称一绝的“贝多芬”。2024年金秋时节，享誉世界的维也纳爱乐乐团时隔多年重返北京音乐舞台，国家大剧院的观众在全方位、沉浸式感受“维也纳之声”的璀璨温润同时，也深深沉醉于钢琴演奏家叶菲姆·布朗夫曼在贝多芬《c小调第三钢琴协奏曲》中的精妙阐释。舞台上的布朗夫曼稳重专注，指尖流淌出质朴醇厚的琴音，潇洒的乐句跑动始终保持着清晰的颗粒性。而在开阔的广板乐章中，钢琴与木管乐器的缠绕对话营造出一种时空静止、重力消逝般的玄妙漂浮感，与乐团高贵的音色完美熨帖。

　　叶菲姆·布朗夫曼钢琴独奏音乐会（资料图） 甘源摄

　　也许在大众视野中，布朗夫曼的名字并不在所谓“明星级”艺术家之列，但熟悉古典音乐的朋友应该认同，布朗夫曼在过去四十年间始终是全球顶级乐团最常合作的独奏家之一。在B站和小红书等社交媒体上，如果有人提问以超高难度著称的“拉三”（即拉赫玛尼诺夫《d小调第三钢琴协奏曲》）有哪些版本堪为最佳，那么布朗夫曼与指挥家捷杰耶夫的现场实况一定有资格并肩于霍洛维茨、阿格里奇等传奇大师的演绎，成为资深发烧友强烈推荐的对象。

　　1958年出生于乌兹别克斯坦首都塔什干，父母都是职业音乐家的布朗夫曼，几乎从开启钢琴演奏生涯那一刻起就被视为技巧超群的典范，以严苛著称的苏联钢琴教学体系为他打下极为扎实的基本功，硕大的身形和宽大的手掌让他面对令大部分钢琴家生畏的繁难文献时显得轻松自如。普利策文学奖得主菲利浦·罗斯在小说中精彩描绘了上世纪90年代末的布朗夫曼演奏普罗科菲耶夫作品的画面：“这头‘雷龙’！嘹亮先生！如此的速度与气势……他看起来不像来弹钢琴的人，更像是来搬钢琴的伙计……他以不亚于普罗米修斯的力量带走了他点燃的火焰。”而当代著名作曲家、指挥家萨洛宁则为布朗夫曼量身定制了一部难度骇人的钢琴协奏曲，原因是“这对他来说应该不太难”。更具启示意义的或许是布朗夫曼对技巧的看法，他在采访中分享道：“音乐家要呈现的是音乐，而非困难。世界上不存在‘炫技曲’，每个音符都需要有其音乐上的意义。很多人把技巧看成是演奏快速和大声的能力，这并不正确，把一首德彪西的舒缓乐曲弹好可能需要更高的技巧。”

　　有趣的是，本次他将在国家大剧院呈现的曲目中就包含“德彪西的舒缓乐曲”，即创作于1907年的《意象集》第二卷。彼时作曲家的创作风格已经完全成熟，在钢琴独奏和管弦乐写作领域都确立了被后世称为“印象主义”的标志性语汇。《意象集》第二卷在写作上的一大特点是作曲家使用了三行乐谱的记录方式（而非常见的钢琴独奏作品两行记谱），德彪西充分运用钢琴大跨度的音域营造出色块碰撞的效果，其中“月落荒寺”一段因乐句间的留白而格外富于诗意。布朗夫曼选择在静谧朦胧的《意象集》之后立刻呈现一部反差强烈的保留曲目——俄罗斯作曲家普罗科菲耶夫的《降B大调第七号钢琴奏鸣曲》。这部创作于第二次世界大战期间的作品被学术界评价为“以打击乐的视角审视钢琴”，以戏谑口吻传递极富冲击力的感官体验，第三乐章排山倒海般的音浪翻涌和快速跑动无疑是所有钢琴演奏家手指技巧的试金石。

　　对于录制过普罗科菲耶夫钢琴奏鸣曲全集范本演绎的布朗夫曼而言，把这部热门作品放到作曲家创作的完整坐标中审视更具意义，他希望展示钢铁般的触键下时常被听众忽视的歌唱性。而音乐会上半场具有师生之谊的舒曼与勃拉姆斯作品同样构成了一种内在的关联与呼应。从这套诚意满满、匠心独具的曲目不难看出，年近古稀的布朗夫曼有许多话想对听众讲，可一旦音乐响起，低调的他总是选择隐身于作品之后，让音乐自身的美感打动观众，或许这就是大师的境界所在，用极致的技巧使听众忘记他的技巧。

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