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许巍“无尽光芒”全国巡演杭州站绚烂落幕

　　5月31日晚，发着光的巨大彩色翅膀随着许巍的《只有爱》徐徐展开、挥动，光芒从舞台上方撒向全场……许巍“无尽光芒”全国巡演在杭州黄龙体育馆拉开帷幕，为时两个小时的音乐派对中，观众惊喜地发现曲目的编排又有变化，与此前的深圳和福州站均有所不同。《漫步》、《那一年》、《故事》、《远航》、《夕阳中的城市》、《旅行》、《蓝莲花》、《无尽光芒》……热烈的大合唱几乎从头至尾;而由绚烂而飞扬的舞台灯光和视觉编织成嘉年华般的情境与音乐的融合，则让所有人在演出结束时感觉自己宛若刚刚经历了一次快乐的梦境——所有人因许巍相聚在一起，沐浴在音乐和生活的无尽光芒之中，经历了上天入海的旅程，又把这光芒带回自己的生活。

　　绚烂舞台惊艳全场，设计师揭开“无尽光芒”的奥秘

　　从5月18日正式亮相开始，深圳、福州、杭州三站、每站近万观众已经领略了“无尽光芒”巡演舞台以舞台装置营造的光影为媒介、在音乐中展开的视听魔法，也让越来越多的人对传说中的“万花筒”等新奇的舞台装置产生了好奇和期待。在杭州站演出的工作间隙，我们采访了本轮巡演的舞台美术总设计师李洪波，请他对“无尽光芒”神奇的舞台魔法进行揭秘。

　　“灿烂的光芒来自天空，它透过树木和街道，斑驳地撒在地面上——这是许巍《无尽光芒》专辑里面的音乐带给我的感受，我和其他的设计师一起把这种音乐带来的感受视觉化，带到了舞台的设计当中，希望每一站的乐迷朋友们都能感受到音乐和生活带给我们的无尽光芒。”李洪波坦言，舞台的视觉效果应该帮助所有观众更好地沉浸在音乐里面，更好地享受拥有音乐的快乐时光，从“无尽光芒”巡演亮相以来几站演出的效果来看，舞台的科技领先性、现场实用性，特别是观众的热烈反馈，都达到了预期，甚至比预期更好。

　　巨型“万花筒”震撼开场 用光芒打通舞台与全场

　　对于看过“无尽光芒”巡演的音乐朋友来说，对舞台第一个强烈的视觉印象就是被称作“万花筒”的巨型灯光装置，它的第一次启动出现在前三站巡演的开场曲《只有爱》的副歌部分，原本折叠在舞台上方的花朵形状的装置慢慢翻转、朝向前方，随着音乐放出数以百计的彩色光束，把欢乐聚会的氛围延伸到了演出场馆的最远一端。

　　其实早在去年“无尽光芒”巡演的创意策划阶段，李洪波就有了最初的想法：“要有一种媒介把台上和台下有机连接起来，成为连贯舞台与观众的桥梁，最好的媒介就是光。于是就有了舞台上巨型“万花筒”装置的创意和最初的形象。概念和创意有了，实现它并没有那么容易。叠加机械结构的设计、在旋转状态下如何为光源供电、光源类别的选择、如何实现远程操控……李洪波说：“其实在‘万花筒’的设想和创意实现的过程中，我们把目前可用于舞台美术的相关最新科技都了解了，大家在现场看到它发出的几百束漂亮的光和旋转、流动的效果，都是最新舞台技术整合作用的结果，也是在其他舞台上从未有过的。”

　　巨型冰屏、轨道灯虚实相映 带观众移步换景出发远航

　　在演出进行到《远航》一曲时，伴着大海波涛的声音和忽远忽近的乐声中，舞台上出现了一座夜间的灯塔，随后一束无比真实的光芒从灯塔顶端的探照灯射向远处，仿佛在为夜里航行的船只指引方向;随后灯塔在视野中开始移动，演出的场馆又变成了一艘巨大的船，载着所有人在音乐中开始远航。前奏过后，许巍温暖的歌声传来：“现在就启程，带我去远航，穿过山谷草原，和寒冷冬天……”而在副歌部分，背景中的光源排着整齐的“队列”在左右移动，整首曲目的现场感受就像观看全景电影一般奇妙。

　　细心的观众会发现，“无尽光芒”舞台背景所使用的屏幕并非此前在大型演出上常见的LED材质的屏幕——它有LED对影像呈现的清晰感受，但却比普通LED更加透光，背后的轨道灯可以几乎完全可见。据李洪波透露，这种材质叫“冰屏”，在不承载影像的情况下透光率为80%以上，与背后轨道灯的结合使用也是大型演出的舞台上首次使用，正是这种虚实结合的呈现为大家营造了《远航》时全景电影般的奇妙感受。

　　舞台LED沉浸式布局 所有人在音乐中都靠得很近

　　此前许巍在接受媒体采访时说，巡演是一场场与各地音乐朋友们相聚的派对。在从深圳到杭州这三场演出中，音乐派对的氛围异常浓烈，仿佛台上台下所有的人在音乐中都靠得很近，特别是舞台两侧的LED屏，在高度和面积均大于传统演唱会规格的同时，内侧的弧形设计从视觉上让所有的多媒体视觉成了一个整体，观众们有了一种沉浸在音乐中的感受。

　　“我们要在场馆相应的规格和规定的基础上，尽可能拉近台上与台下的距离，让巡演每一站都有派对的氛围，但演出场馆基本上都是多层看台有一部分观众坐得很高，让他们与低层看台甚至内场观众的观感和代入感尽可能缩小差距，这是舞台设计的又一个出发点。”于是“无尽光芒”巡演打破了传统的“品字型”LED布局，在视觉上把两侧和背景连接了起来。这样一来，舞台表演区域看上去与观众席就更加靠近，坐在高层看台的观众也能看清舞台上和LED中呈现的一切了，并且全场任何角落的观众都有同样的沉浸感。

　　李洪波认为，演唱会舞台设计的最高标准就是契合音乐本身、契合音乐要表达的概念和主题。而通过舞美与灯光、音响、多媒体等幕后主创的通力配合，“无尽光芒”的舞台做到了这一点。“每一次与许巍老师的巡演合作，是一次创作，更是一种创造。”

　　巡演进行如火如荼，昆明、合肥预售告急

　　随后，“无尽光芒”巡演将于6月22日来到南京奥体中心体育馆，后续将在上海、合肥、成都等10余座城市与各地的音乐朋友们相聚，巡演将一直持续到明年5月。同时，乐迷将可以通过巡演的官方独家图片直播平台VPHOTO实时获取每一站巡演现场的精美图片。

　　值得一提的是，“无尽光芒”巡演的第八站——昆明上周正式解锁开启预售后，预售速度非常迅猛，乐迷朋友们可登陆永乐票务、大麦网等购票平台进行抢购。主办方特别提示，本次巡演目前在已经公布的巡演各站中，仅有合肥、昆明还有部分余票出售，其余各站均已售罄。乐迷朋友们一定要从官方公布的正规票务平台购买门票，以避免不必要的损失。随后巡演各站将陆续开放预售，大家一定要睁大眼睛，不要给“黄牛”以可乘之机。

靠音乐养活自己，这么难吗？

　　近来，各大音乐平台相继推出扶持独立音乐和原创音乐人的计划，有的平台甚至拿出上亿元资金支持音乐人；而在各大音乐论坛中，“想做音乐要不要辞去本职工作”“音乐人如何靠音乐获得理想收入”成为圆桌讨论环节的热门话题。这不禁让人发问：音乐人的生存状况真的这么差吗？

　　音乐圈中，能成为明星的歌手毕竟是极少数，大多数默默耕耘的普通音乐人才是推动行业发展的基石。可他们的收入令人担忧，仅凭线下演出难以维持生计和持续的音乐创作，拥抱互联网和商业合作成为年轻音乐人的选择。

　　收入低 驻唱所得20年没变

　　马铮是一位从事印度西塔琴演奏和音乐创作的音乐人，当被问到收入现状，他回答：“非常凄惨。”

　　一般情况下，创作、演出、被听众认识是音乐人获得知名度的必经过程，线下演出是音乐人展示自我的重要平台，不少民谣、摇滚音乐人都是在livehouse中崭露头角。但在真正成名之前，音乐人在livehouse的演出几乎无法带来收入。“一场演出几乎赚不到钱，门票钱很少，乐队几个人一分就没什么了。”马铮一笑，“这么说吧，我开车去livehouse演出，要是出来发现停门口的车被贴了条，这场就白唱了。”

　　音乐制作人、浙江音乐学院流行音乐系副主任王滔说得更加具体：“1998年我读大学那会儿，在小型场地或者酒吧唱歌一晚上能赚300元钱，20年过去了，现在杭州酒吧的歌手工资还是这个数字，生活压力当然很大。”王滔说，在这种情况下，不少爱好音乐的人都不敢专职从事音乐。

　　在网上流传的一份由中国传媒大学发布的《2019中国音乐人生存状况报告》中显示：绝大多数音乐人仍生存艰难，近半数音乐人的税前月收入在2000元以下，全职音乐人仅有12%，近半数非学生音乐人的税前月收入在2000元以下，月收入能达到1万元以上的只有9.3%。

　　目前，不少平台开通了打赏或流量分成等功能，确实为音乐人开辟了新的渠道。但打赏是用户自发行为，难以成为持续性收入。而一位在bilibili视频网站上传作品的音乐人透露，流量分成以点播量计算，大概每一百万点击量，能拿到三四千块钱左右，“完全指望打赏或者分成，肯定是活不下来的。”

　　成本高 音乐制作开销大

　　当兼职做音乐成为普遍状态，王滔表达出他的忧虑：“做音乐需要投入的精力和成本非常大，如果不全职做音乐就很难做出好的音乐，音乐人也很难熬出来。”

　　最显而易见的成本就是钱。王滔算了一笔账，对摇滚乐队来说，收入来源主要是参加音乐节。“不说那些在《乐队的夏天》里火的乐队，就说大多数没有太大名气的乐队，5个人的乐队上一次音乐节，一共有一万元左右的演出费。”假如这些乐队一年能上四五十场音乐节，那就是50万元的收入，平均到一个人大约在10万元左右。

　　“可是他们还要拿这些钱做音乐。一首歌的制作需要编曲、录音、混音，一首歌需要差不多一万元的制作费，很多时候一万元都不太够，这还是在词曲都是这个音乐人自己写的情况下，一年10万元哪够？”王滔说，除此之外宣传推广还需要花钱，“没有宣传就没有人继续找他们做演出，大多数音乐人的生活还是很艰苦的。”

　　时间成本也是音乐人考虑的一大问题。由于马铮从事西塔琴演奏，这项独特的乐器让他有不少机会在综艺节目和明星演唱会中担任伴奏，“如果只做一个乐手，我这种小众乐器面临的竞争不是很大，收入还是有保障的，但几乎会用了我所有的时间。”马铮说，这对一个原创音乐人来说很“可怕”，“创作需要大量的时间，如果我全年都在做乐手，就根本没有时间创作，如果一直创作，就可能填不饱肚子。”这种情况在音乐圈中非常普遍，被马铮和他的朋友称为“成熟的乐手被‘抽干’”。

　　年轻人 拥抱网络和商业合作

　　“如果只是像传统音乐人一样白天写歌、晚上出去唱歌，走红的几率不会特别高，收入也很有限。”但王滔发现，不少90后音乐人开始想办法在互联网做“网红”，并通过一些商业合作增加自己的收入。

　　他想起浙江音乐学院的几位学生，四人组成一个组合，在抖音平台上发布歌曲，也帮人翻唱推广。“比如别人创作的词曲，请她们几个专业的人来唱，为这首歌做推广。”王滔说，有时她们也接一些帮人“带货”的商业活动，这样一个月每人平均收入有几万元。他还表示，现在音乐院校的学生把音乐当成产业来做，学生中出现不少类似的“网红”，他们推出歌曲也会彼此推介，互带流量。

　　独立音乐人过去被看做是一个与商业绝缘的群体，但如今年轻音乐人愿意接受商业性的合作。颜人中是一位在网易云音乐上崭露头角的90后音乐人，他刚接手了一个与某瓜子品牌合作的音乐项目。“无论是商业合作还是唱自己的歌，本质上都是音乐。我也唱过游戏音乐的歌曲，不仅可以尝试不同的曲风，打游戏的时候听到这些歌也觉得很有趣。”颜人中说，他身边很多年轻音乐人都有商业合作，他对此的态度也是：如果歌曲适合自己，并不排斥。

　　在王滔看来，音乐圈的生态随着互联网音乐平台和短视频平台的发展被改变，音乐人的收入情况呈现两极分化的态势。“纯做线下演出的音乐人比较困难，年轻人愿意与新媒体和商业合作，情况会相对好。”王滔说，以往人们看待“网红”难免有偏见，但现在很多年轻音乐人，比如隔壁老樊、颜人中、陈雪凝都是从网上走出来的，“只要歌唱得好，有什么问题呢？”